Você está pronto para levar seus desenhos de bonecos de palito para o próximo nível?

Não fique muito ambicioso ainda – primeiro, você precisará entender os elementos da arte.

Pense nos elementos da arte como blocos de construção, tanto para criações tradicionais quanto para as digitais feitas em software de desenho. Seja desenhada à mão ou criada em um computador, quase toda peça de arte pretende comunicar uma mensagem ou evocar emoção. Um forte entendimento desses elementos é valioso para artistas e designers gráficos. As escolhas feitas em relação a linha, forma, cor, e assim por diante, impactam grandemente como uma composição é percebida, avaliada e utilizada.

Elementos da arte

Seja você um artista experiente empunhando um pincel ou um designer iniciante trabalhando em software de desenho, os elementos da arte são suas ferramentas fundamentais. Assim como tijolos e argamassa formam a fundação de uma casa, esses elementos atuam como blocos de construção para qualquer criação visual.

Ao entender como esses elementos funcionam juntos, você ganhará o poder de criar composições cativantes, guiar o olhar do espectador e, em última análise, contar sua história visual única.

1. Linha

Dê uma olhada ao redor, e você encontrará exemplos de linhas em todos os lugares. Parece impossível imaginar design sem utilizar linhas de alguma forma, razão pela qual as linhas são consideradas a base de toda arte e o elemento mais versátil do design.

Em termos simples, uma linha é um caminho identificável criado por um ponto movendo-se no espaço. No entanto, há um potencial quase infinito quando se trata de usar o elemento de design da linha. Elas frequentemente guiam o olhar do espectador ao redor da composição e podem comunicar mensagens através de suas qualidades distintas.

As linhas variam em largura, comprimento e direção. Quando usadas estrategicamente, essas variações podem provocar certas respostas psicológicas em um espectador. Por exemplo, uma linha curva pode sugerir conforto e facilidade, enquanto uma linha irregular pode evocar ansiedade e agitação.

Na maioria das vezes, as linhas definem as bordas de uma forma. Através do contorno, no entanto, as linhas são capazes de dar o efeito de que um objeto é tridimensional. O processo de contorno é criado desenhando linhas paralelas que seguem a forma de um objeto. Para criar áreas sólidas, você pode variar a espessura e a distância das linhas.

2. Forma

Formas, assim como linhas, estão ao nosso redor. Desde jovem, você aprende como uma pizza se assemelha a um triângulo e um círculo espelha a forma de um biscoito. Agora que você está com fome, pode ver como escolher estrategicamente certas formas pode enviar mensagens subliminares a um público.

Na arte, linha e forma quase sempre andam juntas e têm muitas das mesmas qualidades. As formas desempenham um papel importante na criação da arte. Diferentes características das formas evocam diferentes humores e significados. Elas também são um elemento importante do design no espaço, pois criam movimento dentro de uma peça e guiam o olhar de um elemento de design para o próximo.

As formas são tipicamente bidimensionais, o que significa que elas têm apenas comprimento e largura. No entanto, nem todas as formas serão classificadas como o mesmo tipo. Você pode classificar formas como geométricas ou orgânicas e também definir formas como positivas ou negativas. Dependendo da mensagem e intenção do artista, cada forma assumirá de maneira única as características dessas diferentes classificações.

3. Cor

Tenho certeza de que todos vocês já foram perguntados "Qual é a sua cor favorita?" Mesmo que você não esteja ciente disso, a cor tem a capacidade de ter um efeito tremendo em nossas emoções, humor e até apetite. Artistas e designers têm um entendimento de teoria das cores e usam deliberadamente a cor para influenciar os hábitos dos consumidores.

O que seus olhos veem como cor é realmente apenas percepção. Por exemplo, quando você olha para o céu e vê a cor azul, o que realmente está acontecendo é que dados estão sendo enviados de nossos olhos para nossos cérebros na forma de comprimentos de onda. Esses comprimentos de onda nos dizem que a cor do céu é azul.

As cores têm três características principais — matiz (azul, vermelho, verde, etc.), valor (espectro de claro e escuro) e intensidade (espectro de brilhante e escuro) — todas contribuindo para o que a cor comunica e como é usada. Artistas variam o valor e a intensidade da cor para criar contraste dentro de uma composição.

A roda de cores é usada para classificar cores em três categorias: primárias (vermelho, amarelo, verde), secundárias (verde, laranja, roxo) e terciárias (vermelho-violeta, azul-verde, etc.). Ao desenhar uma linha através do meio da roda de cores, você é capaz de separar cores quentes (vermelhos, laranjas, amarelos) das frias (azul, verdes, roxos). É importante entender a distinção de temperatura entre essas duas categorias, já que cores quentes são tipicamente associadas com energia e ação, enquanto cores frias são associadas com paz e serenidade. Designers também usam a roda de cores para criar um esquema de cores, que deve ser complementar, análogo ou triádico.

Como cores contrastam, misturam, combinam e potencialmente colidem, é um aspecto importante do design que os artistas devem levar em consideração. Infelizmente, a combinação errada de cores pode comunicar uma mensagem não intencional aos espectadores.

4. Tipografia

Imagine que você está lendo as palavras "amor" e "ódio" lado a lado. Tenho certeza de que ao ver essas duas palavras, diferentes emoções surgem. Agora, visualize que "amor" está escrito em letras pretas e afiadas e "ódio" é apresentado em uma cursiva rosa e fina. Você ainda tem a mesma associação conotativa de antes?

As escolhas que os designers fazem com o elemento de tipografia têm a capacidade de transmitir emoção e significado dentro de uma peça de arte. A tipografia incorpora outros elementos da arte, como tamanho, cor e espaçamento, para comunicar uma mensagem pretendida. Hierarquia — a maneira como você organiza o texto — é outro elemento chave da tipografia. Através da hierarquia visual, você pode guiar o olhar do espectador para as partes do texto que são mais importantes – os textos maiores chamando mais atenção do que os menores.

Quando você estava imaginando a exibição visual das palavras amor e ódio, você estava visualizando as escolhas relacionadas à fonte. Na arte, as decisões de fonte têm um impacto significativo na aparência e sensação geral de uma composição. É importante pensar na mensagem que você pretende retratar com o elemento de tipografia, pois, assim como no exemplo de amor e ódio, pode mudar a percepção de um espectador sobre uma peça.

5. Textura

A textura na arte apela ao nosso sentido de toque, o que pode evocar sentimentos de nostalgia, deleite e desconforto. Embora você não possa realmente sentir um design bidimensional, os artistas utilizam a textura para dar aos espectadores uma percepção visual de como seria essa experiência.

A textura está em toda parte e há infinitas maneiras de descrevê-la. Você aprende desde jovem o que significa algo ser áspero, liso, felpudo, etc. Para os designers, no entanto, é muito mais complicado criar essa sensação em uma composição bidimensional. A ilusão de textura é criada usando outros elementos da arte, como cor, linha e forma, como uma ferramenta para atrair a atenção do espectador e criar equilíbrio dentro de uma composição.

Existem muitas maneiras de categorizar a textura, mas as duas formas principais são a real e a visual. A textura real, ou física, refere-se às propriedades táteis reais de um design. Pense nesse tipo de textura em termos de projetar um convite de casamento – a espessura, o peso (pesado ou leve) e a sensação do papel (liso, áspero, etc.), juntamente com enfeites adicionais (glitter, flores, etc.), todos contribuem para a sensação ou humor geral sobre o design dos convites. A textura visual é a ilusão de textura, criada por outros elementos de design. Exemplos disso podem ser vistos em fotografias, pinturas e desenhos. Os designers frequentemente utilizam software de design gráfico para criar a ilusão de textura visual.

6. Tamanho

Pense em uma peça de arte – não seria entediante se cada forma e objeto na composição tivesse o mesmo tamanho? O tamanho, que é comumente associado à escala, é uma ferramenta importante para os artistas adicionarem ênfase e interesse aos seus designs.

A psicologia por trás do tamanho é um aspecto importante deste elemento de design. Quando um objeto é maior ou mais grandioso em comparação com outros objetos, mais poder e peso ele carrega. Como muitos outros elementos da arte, o tamanho é essencial para comunicar uma mensagem ou história. Enquanto em algumas áreas o tamanho pode criar maior contraste e interesse, ele também pode ajudar a expressar melhor uma ideia.

7. Espaço

Na arte, espaço refere-se a como uma peça de arte é organizada – a área acima, abaixo e dentro dos componentes de uma peça. A relação entre essas áreas — primeiro plano, fundo e meio-termo — é estrategicamente utilizada por artistas para dar a ilusão de profundidade a uma superfície plana.

Assim como com formas, o espaço pode ser positivo ou negativo e a relação entre os dois é importante para os artistas comunicarem com sucesso o significado dentro de sua composição. O espaço positivo pode ser descrito como o sujeito, enquanto o espaço negativo é a área ao redor e dentro dele. Quando você tem muito de espaço positivo ou negativo, pode desequilibrar o ritmo de uma peça de arte. O contraste entre espaço positivo e negativo criará equilíbrio. Para criar ritmo, os artistas alternarão entre espaço positivo e negativo repetindo formas dentro da composição.

5 dicas profissionais para dominar os elementos da arte

Dominar os elementos da arte é como construir uma base sólida. Esses elementos - linha, forma, forma, espaço, cor, valor, e textura - são suas ferramentas para criar visuais impactantes. Aqui está como usá-los efetivamente:

1. Entenda sua linguagem: Cada elemento transmite emoções. Linhas ousadas sugerem poder, enquanto curvas suaves evocam calma. Cores quentes irradiam energia, cores frias trazem paz. Aprenda a "linguagem" de cada elemento para expressar sua mensagem claramente.

2. Use o contraste estrategicamente: Brinque com opostos! Coloque um valor escuro ao lado de um claro para fazê-los se destacar. Use cores complementares e esquemas de cores para criar uma faísca vibrante. Este contraste atrai o olhar do espectador e enfatiza elementos chave.

3. Crie harmonia através da repetição: A repetição cria um senso de unidade. Repita formas, cores, ou padrões sutilmente ao longo de sua obra de arte. Isso cria um fluxo agradável e guia a exploração do espectador.

4. Não esqueça o espaço negativo: O espaço ao redor dos objetos importa! Use-o para equilibrar sua composição e definir formas positivamente. Ele pode ser tão impactante quanto os próprios elementos.

5. Experimente e divirta-se! A arte prospera na exploração. Não tenha medo de quebrar as regras. Experimente combinações inesperadas e veja o que surge. Lembre-se, a prática leva à perfeição, então continue explorando e refinando sua voz artística!

Hora de começar!

Artistas profissionais incorporam e consideram todos esses elementos, juntamente com os princípios do design, quando criam suas composições. Como você pode ver, mudanças sutis, como a curva de uma linha ou um ajuste de cor, podem alterar completamente o humor geral de um design. Quando os elementos da arte são usados de forma eficaz e coesa, eles podem ser ferramentas poderosas para artistas e designers expressarem significado e emoção.

Quer aprender como aplicar esses elementos da arte ao design gráfico? Confira este artigo sobre os 7 tipos de design gráfico.

Este artigo foi publicado originalmente em 2019. Foi atualizado com novas informações.