Êtes-vous prêt à faire passer vos dessins de bonhommes allumettes au niveau supérieur ?

Ne soyez pas trop ambitieux pour l'instant – d'abord, vous devez comprendre les éléments de l'art.

Pensez aux éléments de l'art comme des blocs de construction, autant pour les créations traditionnelles que pour celles numériques réalisées dans un logiciel de dessin. Qu'ils soient dessinés à la main ou créés sur un ordinateur, presque chaque œuvre d'art vise à communiquer un message ou à évoquer une émotion. Une bonne compréhension de ces éléments est précieuse pour les artistes et les graphistes. Les choix faits concernant la ligne, la forme, la couleur, etc., ont un impact considérable sur la façon dont une composition est perçue, évaluée et utilisée.

Éléments de l'art

Que vous soyez un artiste chevronné maniant un pinceau ou un designer en herbe travaillant dans un logiciel de dessin, les éléments de l'art sont vos outils fondamentaux. Tout comme les briques et le mortier forment la fondation d'une maison, ces éléments agissent comme les blocs de construction pour toute création visuelle.

En comprenant comment ces éléments fonctionnent ensemble, vous gagnerez le pouvoir de créer des compositions captivantes, de guider l'œil du spectateur et, en fin de compte, de raconter votre histoire visuelle unique.

1. Ligne

Regardez autour de vous, et vous trouverez des exemples de lignes partout. Il semble impossible d'imaginer un design sans utiliser des lignes sous une forme ou une autre, c'est pourquoi les lignes sont considérées comme la fondation de tout art et l'élément le plus polyvalent du design.

En termes simples, une ligne est un chemin identifiable créé par un point se déplaçant dans l'espace. Cependant, il y a un potentiel presque infini lorsqu'il s'agit d'utiliser l'élément de design de la ligne. Elles guident souvent l'œil du spectateur autour de la composition et peuvent communiquer des messages à travers leurs qualités distinctes.

Les lignes varient en largeur, longueur et direction. Lorsqu'elles sont utilisées stratégiquement, ces variations peuvent susciter certaines réponses psychologiques chez un spectateur. Par exemple, une ligne courbe peut suggérer le confort et la facilité, tandis qu'une ligne dentelée peut évoquer l'anxiété et l'agitation.

Le plus souvent, les lignes définissent les contours d'une forme. Grâce au contouring, cependant, les lignes sont capables de donner l'effet qu'un objet est tridimensionnel. Le processus de contouring est créé en dessinant des lignes parallèles qui suivent la forme d'un objet. Pour créer des zones solides, vous pouvez varier l'épaisseur et la distance des lignes.

2. Forme

Les formes, comme les lignes, sont tout autour de nous. Dès le plus jeune âge, vous apprenez comment une pizza ressemble à un triangle et un cercle reflète la forme d'un biscuit. Maintenant que vous avez faim, vous pouvez voir comment choisir stratégiquement certaines formes peut envoyer des messages subliminaux à un public.

Dans l'art, la ligne et la forme vont presque toujours ensemble et ont beaucoup des mêmes qualités. Les formes jouent un rôle important dans la création de l'art. Différentes caractéristiques des formes évoquent différentes humeurs et significations. Elles sont également un élément important du design dans l'espace puisqu'elles créent du mouvement au sein d'une pièce et guident l'œil d'un élément de design à l'autre.

Les formes sont généralement bidimensionnelles, ce qui signifie qu'elles n'ont que longueur et largeur. Cependant, toutes les formes ne seront pas classées de la même manière. Vous pouvez classer les formes soit comme géométriques, soit comme organiques, et également définir les formes comme étant positives ou négatives. Selon le message et l'intention de l'artiste, chaque forme prendra de manière unique les caractéristiques de ces différentes classifications.

3. Couleur

Je suis sûr que vous avez tous été interrogés sur "Quelle est votre couleur préférée ?" Même si vous n'en êtes pas conscient, la couleur a la capacité d'avoir un effet considérable sur nos émotions, notre humeur et même notre appétit. Les artistes et les designers ont une compréhension de la théorie des couleurs et utilisent délibérément la couleur pour influencer les habitudes des consommateurs.

Ce que vos yeux voient comme couleur n'est en réalité qu'une perception. Par exemple, lorsque vous regardez le ciel et voyez la couleur bleue, ce qui se passe réellement, c'est que des données sont envoyées de nos yeux à notre cerveau sous forme de longueurs d'onde. Ces longueurs d'onde nous indiquent que la couleur du ciel est bleue.

Les couleurs ont trois caractéristiques principales : la teinte (bleu, rouge, vert, etc.), la valeur (spectre de clair et foncé) et l'intensité (spectre de vif et terne) — toutes contribuant à ce que la couleur communique et comment elle est utilisée. Les artistes varient la valeur et l'intensité de la couleur pour créer du contraste au sein d'une composition.

Le cercle chromatique est utilisé pour classer les couleurs en trois catégories : primaires (rouge, jaune, vert), secondaires (vert, orange, violet) et tertiaires (rouge-violet, bleu-vert, etc.). En traçant une ligne au milieu du cercle chromatique, vous pouvez séparer les couleurs chaudes (rouges, oranges, jaunes) des couleurs froides (bleus, verts, violets). Il est important de comprendre la distinction de température entre ces deux catégories, car les couleurs chaudes sont généralement associées à l'énergie et à l'action, tandis que les couleurs froides sont associées à la paix et à la sérénité. Les designers utilisent également le cercle chromatique pour créer un schéma de couleurs, qui doit être soit complémentaire, analogue ou triadique.

Comment les couleurs contrastent, se mélangent, s'accordent et potentiellement s'entrechoquent, est un aspect important du design que les artistes doivent prendre en considération. Malheureusement, la mauvaise combinaison de couleurs peut communiquer un message non intentionnel aux spectateurs.

4. Typographie

Imaginez que vous lisez les mots "amour" et "haine" côte à côte. Je suis sûr qu'en voyant ces deux mots, différentes émotions surgissent. Maintenant, visualisez que "amour" est écrit en lettres noires et pointues et "haine" est présenté en cursive rose et fine. Avez-vous toujours la même association connotative qu'avant ?

Les choix que les designers font avec l'élément de typographie ont la capacité de transmettre des émotions et des significations au sein d'une œuvre d'art. La typographie incorpore d'autres éléments de l'art, tels que la taille, la couleur et l'espacement, pour communiquer un message intentionnel. La hiérarchie — la façon dont vous disposez le texte — est un autre élément clé de la typographie. Grâce à la hiérarchie visuelle, vous pouvez guider l'œil du spectateur vers les parties du texte qui sont les plus importantes – les textes les plus grands attirant plus d'attention que les plus petits.

Lorsque vous imaginiez l'affichage visuel des mots amour et haine, vous envisagiez les choix liés à la police. Dans l'art, les décisions de police ont un impact significatif sur l'apparence et la sensation globales d'une composition. Il est important de penser au message que vous avez l'intention de transmettre avec l'élément de typographie, car, tout comme avec l'exemple de l'amour et de la haine, cela peut changer la perception d'une œuvre par un spectateur.

5. Texture

La texture dans l'art fait appel à notre sens du toucher, ce qui peut évoquer des sentiments de nostalgie, de plaisir et d'inconfort. Bien que vous ne puissiez pas réellement toucher un design bidimensionnel, les artistes utilisent la texture pour donner aux spectateurs une perception visuelle de ce que cette expérience serait.

La texture est partout et il existe d'innombrables façons de la décrire. Vous apprenez dès le plus jeune âge ce que signifie pour quelque chose d'être rugueux, lisse, duveteux, etc. Pour les designers, cependant, il est beaucoup plus compliqué de créer cette sensation dans une composition bidimensionnelle. L'illusion de la texture est créée en utilisant d'autres éléments de l'art tels que la couleur, la ligne et la forme comme outil pour attirer l'attention d'un spectateur et créer un équilibre au sein d'une composition.

Il existe de nombreuses façons de catégoriser la texture, mais les deux principales formes sont la texture réelle et visuelle. La texture réelle, ou physique, se réfère aux propriétés tactiles réelles d'un design. Pensez à ce type de texture en termes de conception d'une invitation de mariage – l'épaisseur, le poids (lourd ou léger) et la sensation du papier (lisse, rugueux, etc.), ainsi que les embellissements supplémentaires (paillettes, fleurs, etc.), contribuent tous à l'impression ou à l'humeur générale du design de l'invitation. La texture visuelle est l'illusion de la texture, créée par d'autres éléments de design. Des exemples de cela peuvent être vus dans les photographies, les peintures et les dessins. Les designers utiliseront souvent un logiciel de design graphique pour créer l'illusion de la texture visuelle.

6. Taille

Pensez à une œuvre d'art – ne serait-elle pas ennuyeuse si chaque forme et objet de la composition était de la même taille ? La taille, qui est souvent associée à l'échelle, est un outil important pour les artistes afin d'ajouter de l'emphase et de l'intérêt à leurs designs.

La psychologie derrière la taille est un aspect important de cet élément de design. Lorsqu'un objet est plus grand ou plus imposant par rapport aux autres objets, plus il porte de pouvoir et de poids. Comme beaucoup d'autres éléments de l'art, la taille est essentielle pour communiquer un message ou une histoire. Bien que dans certains domaines la taille puisse créer un plus grand contraste et intérêt, elle peut également aider à mieux exprimer une idée.

7. Espace

Dans l'art, l'espace se réfère à la façon dont une œuvre d'art est organisée – la zone au-dessus, en dessous et à l'intérieur des composants d'une pièce. La relation entre ces zones — premier plan, arrière-plan et milieu — est utilisée stratégiquement par les artistes pour donner l'illusion de profondeur à une surface plane.

Tout comme avec les formes, l'espace peut être positif ou négatif et la relation entre les deux est importante pour que les artistes communiquent avec succès le sens au sein de leur composition. L'espace positif peut être décrit comme le sujet, tandis que l'espace négatif est la zone autour et à l'intérieur de celui-ci. Une fois que vous avez trop d'espace positif ou négatif, cela peut déséquilibrer le rythme d'une œuvre d'art. Le contraste entre l'espace positif et négatif créera un équilibre. Pour créer du rythme, les artistes alterneront entre l'espace positif et négatif en répétant des formes au sein de la composition.

5 conseils de pro pour maîtriser les éléments de l'art

Maîtriser les éléments de l'art, c'est comme construire une base solide. Ces éléments - ligne, forme, espace, couleur, valeur, et texture - sont vos outils pour créer des visuels percutants. Voici comment les utiliser efficacement :

1. Comprenez leur langage : Chaque élément transmet des émotions. Les lignes audacieuses suggèrent la puissance, tandis que les courbes douces évoquent le calme. Les couleurs chaudes rayonnent d'énergie, les couleurs froides apportent la paix. Apprenez le "langage" de chaque élément pour exprimer clairement votre message.

2. Utilisez le contraste stratégiquement : Jouez avec les opposés ! Placez une valeur sombre à côté d'une claire pour les faire ressortir. Utilisez des couleurs complémentaires et des schémas de couleurs pour créer une étincelle vibrante. Ce contraste attire l'œil du spectateur et met en valeur les éléments clés.

3. Créez l'harmonie par la répétition : La répétition crée un sentiment d'unité. Répétez subtilement des formes, des couleurs, ou des motifs dans votre œuvre. Cela crée un flux agréable et guide l'exploration du spectateur.

4. N'oubliez pas l'espace négatif : L'espace autour des objets compte ! Utilisez-le pour équilibrer votre composition et définir positivement les formes. Il peut être aussi percutant que les éléments eux-mêmes.

5. Expérimentez et amusez-vous ! L'art prospère grâce à l'exploration. N'ayez pas peur de briser les règles. Expérimentez avec des combinaisons inattendues et voyez ce qui en ressort. Rappelez-vous, la pratique rend parfait, alors continuez à explorer et à affiner votre voix artistique !

Il est temps de commencer !

Les artistes professionnels intègrent et considèrent tous ces éléments, ainsi que les principes du design, lorsqu'ils créent leurs compositions. Comme vous pouvez le voir, des changements subtils, tels que la courbe d'une ligne ou un ajustement de couleur, peuvent complètement modifier l'humeur générale d'un design. Lorsque les éléments de l'art sont utilisés efficacement et de manière cohérente, ils peuvent être des outils puissants pour les artistes et les designers pour exprimer le sens et l'émotion.

Vous voulez apprendre comment appliquer ces éléments de l'art au design graphique ? Consultez cet article sur les 7 types de design graphique.

Cet article a été publié à l'origine en 2019. Il a été mis à jour avec de nouvelles informations.